Janvier 2000. Vos enfants risquent d'être déconcertés, ils ne reconnaîtront pas la ménagerie des Studios Disney. Les dessins animés ressemblent plus à un ballet classique pour écran géant et fauteuils club qu'à un feu d'artifice. Le programme, présenté par des vedettes du showbizz, comprend la célèbre séquence de l'apprenti sorcier présente dans la version 1940 de Fantasia : Mickey se prend pour Dieu le père et s'en mord les doigts. Pour le reste, les enfants seront déçus ou éblouis par ces images qui épousent le rythme de la musique, par ces animations pensées comme des chorégraphies. A la douceur des mélodies succèdent des coups de tonnerre à faire sursauter les jeunes spectateurs. Les vraies vedettes de ces dessins animés s'appellent Beethoven, Respighi, Gershwin, Chostakovitch, Saint-Saëns, Dukas, Elgar et Stravinsky. Les images célèbrent la majesté de la nature et des animaux, la grandeur de l'amour, parfois la mélancolie comme dans Raphsodie in Blue... Mais les symboles sont trop évidents : une danseuse classique incarne la grâce ; le feu représente la destruction... Les images cherchent à l'évidence à "en mettre plein la vue" : les espaces et les perspectives sont infinies, tout donne dans la démesure, le définitif. Malgré cela, un plan chasse l'autre à la vitesse de l'éclair, le maelström de couleurs et d'images ne laisse pas de traces car les compositions musicales surpassent en intensité et en profondeur les séquences animées. Fantasia 2000 est sans conteste une bonne introduction à la musique classique, rien d'autre.
Décembre 1999. Le spectateur est secoué comme une bouteille d'Orangina., brinquebalé tout au long du film et entraîné comme son héros dans une histoire invraisemblable. Sans avoir le temps de se raccrocher aux branches, d'organiser sa pensée, et sans bien comprendre où veut l'emmener le scénariste Charlie Kaufman. Dans la peau de John Malkovich commence comme une comédie loufoque sur un pauvre bougre qui n'a pas de chance : marionnettiste de profession, Craig (John Cusack) végète en se produisant dans la rue. Contraint de chercher un vrai travail, il décroche un emploi dans une boîte dirigée par une bande de doux dingues agités de la cafetière. Sa fiancée, Lotte (Cameron Diaz) sorte d'amie des bêtes écolo, ne se préoccupe que de la santé mentale de ses bestioles à quatre pattes. Et pour finir, il tente désespérement de séduire Maxine (Catherine Keener) une collègue de travail et se prend un râteau. Le soir, il se met en scène avec ses marionnettes, il imagine des situations où il a le beau rôle... Puis, par un effet très spécial, Craig trouve le moyen d'entrer dans la peau de John Malkovich, être l'acteur américain pendant quelques minutes. Dès lors, le film de Spike Jonze ressemble à un rêve, un fantasme débridé, multiforme : et si une femme se trouvait dans la peau de John Malkovich, et si John Malkovich lui-même se retrouvait dans sa peau, et si deux personnes se trouvait en même temps dans son subconscient... Toujours plus fort, toujours plus fou, Spike Jonze n'en finit pas de nous faire rire et de nous étonner jusqu'à s'enfermer dans une histoire - sans intérêt - de vieillards programmés pour entrer dans la peau de Malkovich. Tout le film est centré sur la séduction : tout comme Lotte, Craig séduit Maxine sous les traits de Malkovich. Cette dernière se laisse abuser par les apparences, volontairement ou malgré elle. Comédie sociale, jeu de dupes, tout le monde trompe tout le monde, et ça fait des millions d'années que ça dure. Mais attention à l'atterrissage, l'expulsion est violente : le rêve, moteur de vie, ne dure qu'un temps...
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Novembre
1999. Oubliez Scream et
Souviens toi... l'été dernier. Oubliez ces films
où la jeunesse est aussi lisse et ennuyeuse qu'une table en
formica et n'a d'autres états d'âme que de fuir le
couteau de cuisine d'un mort vivant. Dans
Rushmore,
Wes Anderson porte un regard sensible et juste sur l'adolescence
à travers le fantasque Max Fischer (Jason Schwartzman). Des
lunettes sévères sur le nez, les cheveux raides et
la raie sur le côté, Max a des airs de premier de la
classe mais les apparences sont trompeuses. Curieux, inventif et
plein d'allant, le jeune garçon est un touche-à-tout
: kung-fu, karting, escrime, aviation... Il écrit
même des pièces de théâtre. Le
personnage fascine Blume (Bill Murray) : le riche homme d'affaire
qui s'ennuie à mourir, renaît grâce à la
vitalité et la fraîcheur d'esprit du jeune
garçon. Le réalisateur Wes Anderson ne fait pas de
l'adolescence, l'âge bête par excellence : dans
Rushmore, la jeunesse représente une période
fantastique où tout est possible, où l'on veut tout
essayer, un temps où l'on souhaite à la fois
ressembler à tout le monde et se démarquer des
autres, être intégré à un groupe social
et s'affirmer. La réussite de Rushmore tient beaucoup
à l'acteur Jason Schwartzman qui incarne un adolescent
d'aujourd'hui, sa quête de reconnaissance et sa
détermination sont touchantes. Ses maladresses et ses
échecs aussi. Rushmore est un petit film spécial au
charme incroyable.
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Octobre 1999.
Quand on aime le
cinéma, on ne peut pas aimer le
dernier
Star
Wars. A cause de
George Lucas, le cinéma américain est entré
dans l'ère du tout technologique, les effets
spéciaux sont aujourd'hui plus importants que le
scénario. Ils sont l'argument publicitaire. Les spectateurs
qui voient des films médiocres comme Jurassic Park ou
Independence Day, ne trouvent rien d'autre à dire que
"c'est bien fait" sous-entendu "c'est un bon film puisque les
effets spéciaux sont réussis"... Et depuis le
triomphe de Star Wars en 1977, les réalisateurs
américains tentent de faire des films toujours plus
spectaculaires pour décrocher la première place au
Box-office. A cause de George Lucas, le merchandising à
grande échelle montre les dents, les films deviennent un
faire-valoir, une vitrine de luxe des jouets et autres gadgets,
ces produits dérivés sont aujourd'hui au coeur des
campagnes de lancement voire du financement du cinéma.
Nous ne disons pas que les progrès réalisés en matière d'effets spéciaux sont inutiles ou qu'il faut s'interdire de décliner un film sur d'autres supports mais quand le cinéma n'est plus qu'un échantillon de démonstration de la technologie numérique, quand les cinéastes deviennent les représentants de commerce d'un Luna Park planétaire, la création n'a plus sa place. Il ne suffit pas de dire du mal du dernier Star Wars, c'est le système Lucas dans son entier qu'il faut attaquer car l'homme d'affaire ne fait pas de films, il gère une boîte d'informatique. En consacrant leur une à ce non-événement, en ne portant pas de véritable regard critique sur le film, les journaux de cinéma comme Studio Magazine et Ciné Live, se font les complices de cette entreprise d'abrutissement du spectateur. Honte à eux.
Septembre 1999. A Paris, dans les beaux quartiers, il est de bon ton de s'extasier sur le dernier film des frères Dardenne, Rosetta. Olivier Séguret de Libération crie même au chef-d'oeuvre. Comme d'habitude, la critique française se donne bonne conscience à bon compte en applaudissant un film à forte résonance sociale. Elle aime voir dans la rage de la jeune fille, "l'horreur économique", un monde impitoyable où trouver du travail relève de la croisade. Quel contresens. Le spectateur moins enclin à l'oeucuménisme social, verra surtout dans la hargne de Rosetta (Emilie Dequenne), une simple démonstration de sa jeunesse, d'un état où l'on ne fait rien à moitié, où l'on a de l'énergie à revendre, où l'on se dépense sans compter et fonce tête baissée. Il est surtout risible de remettre la Palme d'Or à des réalisateurs qui ne s'intéressent pas à la mise en scène et qui au fond n'aiment pas le cinéma. Choisir de filmer toutes les séquences caméra à l'épaule, relève du parti-pris, non d'une expression artistique. Luc et Jean-Pierre Dardenne se contentent de montrer une situation comme le ferait un journaliste, or au cinéma, tout est affaire de distance. Malheureusement, les réalisateurs ne projettent rien sur l'écran. ils ne portent aucun regard sur leur héroïne et sur son destin, ils n'expriment aucun point de vue. D'ailleurs, une fois le décor planté, il ne se passe plus rien à l'écran, Rosetta repète les mêmes gestes, elle tourne en rond et le film aussi. Croire qu'il suffit que la caméra bouge dans tous les sens pour capter la vérité des choses et des êtres, est une profonde idiotie. Jouer sur l'absence d'idées de scénario et la pauvreté de la réalisation comme d'une garantie d'authenticité, est une parfaite escroquerie.
Août 1999. Dans La Vie ne me fait pas peur, Noémie Lvovsky tente de faire revivre son adolescence à travers quatre copines inséparables. Malheureusement, la réalisatrice force la dose presque à chaque scène, elle tombe le plus souvent dans l'hystérie voire la névrose, la vérité des attitudes lui échappe complètement. Son film met plus d'une fois mal à l'aise tant les rapports humains chez Noémie Lvovsky, naissent et s'épanouissent dans la cruauté et la douleur. Impossible de se retrouver au milieu des cris et des révoltes de ces filles énervées... Le 13e guerrier est une ambulance. Le film de John McTiernan a été charcuté par Michael Crichton, l'auteur et producteur du long-métrage : on a devant les yeux, des bouts de scènes mais certainement pas un film. Crichton n'a gardé que les trois batailles entre les Vikings et les redoutables "mangeurs de cadavres", il ne reste donc qu'un squelette. Il manque la colonne vertébrale pour tenir l'ensemble, pour relier ces grandes séquences aux autres, toutes ces scènes charnières qui permettent de mieux appréhender les personnages et l'époque, d'installer une atmosphère et au spectateur d'entrer dans l'histoire. Le montage est si catastrophique qu'il pourrait être signé par un vidéaste amateur. Rien ne permet de dire que le 13e guerrier monté par McTiernan aurait été bien meilleur mais pire, c'est impossible. Le réalisateur a d'ailleurs renié le film avant même sa sortie en salles. Agnes Browne de Anjelica Huston appartient à la catégorie des films "modestes", de ces oeuvres qui se proposent de filmer la vie de tous les jours, de saisir les petits riens de l'existence et dont la réussite dépend pour beaucoup d'une subtile balance entre tragédie et comédie. Ici, les Browne tentent de survivre dans le Dublin des années 60, Anjelica Huston incarne une femme qui s'émancipe après la mort de son mari. Si cette famille ressemble à beaucoup d'autres filmées par des cinéastes anglais, on est assez vite séduit par la maîtresse de maison qui élève ces sept rejetons seule. Les scènes les plus réussies réunissent Agnes et sa meilleure copine, les deux amies retrouvent ensemble leur jeunesse, elles pouffent comme des adolescentes et se brouillent pour un rien comme des gamines.